Femmes qui conçoivent : des puissances redéfinissant l'esthétique

Alors que le monde entier célèbre la Journée internationale de la femme, c'est le moment idéal pour mettre en lumière quelques-unes des créations avant-gardistes de femmes qui transforment le monde du mobilier, de l'art et de l'éclairage. Des espaces intérieurs à l'architecture, de l'innovation des produits aux beaux-arts, les femmes brisent les barrières, redéfinissent l'esthétique et inspirent la prochaine génération de créateurs dans le monde entier.

Nées à Tbilissi, en Géorgie, Nata Janberidze et Keti Toloraia ont commencé à collaborer à l'Académie d'État des arts de Tbilissi, où elles ont étudié ensemble l'architecture d'intérieur entre 1997 et 2003. En 2007, peu après avoir obtenu leur diplôme, Nata Janberidze et Keti Toloraia ont créé le premier studio dirigé par une femme à Tbilissi, en Géorgie. Elles travaillent principalement sur des objets de collection et conçoivent divers espaces architecturaux.

Après les turbulences de la nouvelle indépendance, la Géorgie a été inondée d'architecture précaire, d'extensions bricolées sur les blocs sociaux et de solutions vernaculaires pour le décor des rues. L'ère de la transformation s'est reflétée dans la pensée créative de Janberidze et Toloraia et, peu à peu, dans leur pratique. S'inspirant principalement des principes de conception de l'Europe occidentale, le duo a commencé à travailler sur la base des tendances internationales de l'époque. Cependant, dans des séries ultérieures, comme Wild Minimalism en 2016, le duo a commencé à remettre en question son passé culturel, en remontant dans l'histoire jusqu'au décor géorgien ancien et médiéval, ou à la fin de l'époque soviétique. Traduire ces anciens motifs dans un langage de design contemporain, tout en récupérant et en recréant une nouvelle identité de design, a été l'un des principaux domaines d'intérêt du studio depuis lors. L'ethnographie, la mythologie, les éléments traditionnels et modernistes fabriqués à la main à l'aide de matériaux naturels, tels que le bois, la pierre et le métal, créent le langage authentique de Rooms Studio. Cette approche est manifeste dans la série Street en cours, ainsi que dans des collections plus anciennes, telles que DNA Archives, Life on Earth et d'autres. Néanmoins, repenser le passé est un point de départ pour créer de nouvelles formes et développer de nouvelles idées, comme on peut le voir dans Alchemy ou dans certaines séries en cours, telles que Golden Fleece (Toison d'or).

La pratique de Rooms Studio comporte un vaste aspect sculptural. Bien représentés dans les derniers projets d'intérieur du duo, tels que le restaurant Gheama ou la collection Sacral Geometry, les objets fonctionnels se distinguent par leur monumentalité et leur nature autonome. La pensée spatiale dans la disposition des objets en relation avec l'architecture place la pratique de Rooms Studio quelque part entre les styles moderniste et symboliste, où la ligne entre l'art, le design et l'architecture est floue.

Intuitive par nature, la méthodologie de travail de Rooms Studio est indirecte et fluide. Le fait de travailler principalement sur la base d'une collection à la fois, avec des éléments souvent récurrents, crée un ensemble d'œuvres en constante évolution. Comme dans l'architecture de leur pays d'origine, les couches historiques s'ajoutent les unes aux autres, sans abandonner ni clore les chapitres précédents. La répétition, qui est l'une des caractéristiques du duo, rappelle au spectateur son approche féministe, ainsi que la part de culture orientale de la Géorgie. Rooms Studio crée ainsi un mélange parfait de design, où l'Orient et l'Occident se rencontrent. (Rédigé par Elene Abashidze)

Lucy Page est une sculptrice basée à Londres, qui a étudié les beaux-arts et l'histoire de l'art à l'université Goldsmiths. Créant à partir d'un studio dans le Somerset, elle se concentre sur la façon dont les individus habitent les espaces domestiques, explorant les gestes quotidiens, les mouvements du corps et l'utilisation de l'espace. 

Son travail consiste à figer des moments en mouvement dans des objets sculpturaux tangibles, brouillant ainsi les frontières entre la vie et l'art. Chaque pièce est fabriquée à la main à l'aide de techniques de moulage traditionnelles, avec des matériaux tels que de la nourriture, des parties du corps et de l'argile. Le processus est méticuleux, impliquant le ponçage, le polissage et le perfectionnement du produit final à la main.

Avec ses teintes douces et son élégance discrète, le lustre Rosenborg d'Akua Objects allie l'histoire de la verrerie de Murano et l'héritage du design danois à n'importe quel plafond et espace. 

Commandé pour Frédéric IV de Danemark, le lustre Rosenborg orne le palais de Rosenborg à Copenhague, une muse chérie d'Annika (cofondatrice d'Akua Objects). S'éloignant des motifs floraux ornés des années 1800, ce lustre affiche une silhouette contemporaine et des tourbillons gracieux, avec un verre opalin qui projette une lumière douce et éthérée dans des tons ambrés. Il marie l'allure vénitienne et la sophistication scandinave, incarnant l'élégance intemporelle.

Fabriqué sur l'île de Murano avec un savoir-faire artisanal, le lustre Rosenborg est méticuleusement façonné et soufflé à la bouche par des artisans qualifiés sous la direction du grand maître. De délicates imperfections, telles que des bulles d'air, lui confèrent authenticité et charme.

Akua Objects a été fondée en 2022 à Copenhague par Annika Zobel Agerled et Josefine Arthur avec l'idée de créer des objets poétiques en verre. Les objets racontent les histoires de la vie des gens, laissant des empreintes durables même après leur disparition, comme des ombres sur les murs. Qu'il s'agisse d'un tableau, d'un meuble, d'un vase ou d'un autre objet, ces souvenirs physiques sont transmis de génération en génération. 

Chaque collection d'Akua Objects porte le nom d'une personne qui a influencé sa conception, honorant ainsi sa mémoire. De cette manière, le design devient plus qu'une simple décoration de table ou d'espace ; il s'agit de chérir des souvenirs et des liens personnels.

La designer Natalia Criado est née et a grandi en Colombie, où elle a découvert sa passion pour la conception dès son plus jeune âge. Après avoir suivi des études de design industriel à Milan, elle est retournée dans son pays natal, où son contact avec les diverses cultures colombiennes a suscité une profonde inspiration pour les traditions colombiennes. 

Grâce à son expertise et à son leadership, elle supervise personnellement l'ensemble du processus de conception et de production de ses créations. L'approche pratique de Mme Criado s'étend à la phase de production, où elle travaille en étroite collaboration avec une équipe dévouée d'artisans qualifiés dans ses propres locaux. 

Son engagement en faveur d'un artisanat de qualité et son souci du détail transparaissent dans chaque pièce, mettant en valeur son talent de designer industriel et sa passion pour la célébration des traditions colombiennes.

Le monde du design est en constante évolution, et une nouvelle vague de femmes designers émergentes exerce une influence considérable dans diverses disciplines. De la décoration d'intérieur à l'architecture en passant par le mobilier et la conception de produits, ces femmes visionnaires repoussent les limites de la création, redéfinissent l'esthétique et façonnent l'avenir.

Des noms comme Rooms Studio, Lucy Page, Akua Objects et Natalia Criado ont obtenu une reconnaissance bien méritée, mais de nombreuses autres étoiles montantes créent des œuvres tout aussi révolutionnaires. Qu'il s'agisse de formes minimalistes, d'affirmations sculpturales audacieuses ou de matériaux respectueux de l'environnement, ils établissent de nouvelles normes en matière de créativité.

Nous encourageons nos lecteurs à découvrir d'autres talents émergents sur The Oblist, à les suivre pour être informés de leurs nouvelles collections et à célébrer leurs contributions au monde du design. Leur travail n'est pas seulement visuellement frappant, il est aussi profondément significatif ; il reflète le dialogue imparable et en constante évolution entre la tradition et la modernité.